BERLIAC / BLOG

voyeur / rêveur

2011-10-24T13:44:00.002-03:00

tengo un nuevo tumblr: (link)

"Figuras al borde del mar" en "Kovra" # 3 (España)

2011-10-21T15:11:00.000-03:00

En el número 3 del excelente zine "Kovra" (España), sale publicada mi historieta de 6 páginas "Figuras al borde del mar".

Ver más: (link)

EXPO: Universos Paralelos

2011-10-10T13:57:00.000-03:00

"Universos Paralelos: tapas de libros inventadas por dibujantes".
Curaduria de Muriel Bellini y Juan Pablo Garcia.

Inauguración: el miercoles 12 de Otubre, desde las 19hrs.
Finaliza: al sabado 12 de Noviembre.

Espacio: Galería de FEDRO
Dirección: Carlos Calvo 578 San Telmo Buenos Aires.

Notas sobre narrativa gráfica #17

2011-09-20T11:32:00.000-03:00

Existe en el cómic la idea de que de todas las líneas que uno traza, sólo una ha de llegar a la tinta, a hacerse visible al lector. No podría estar más en desacuerdo.

Videorreportaje Proyecto Nosotros

2011-09-20T11:06:00.000-03:00

Los brasileños de Proyecto Nosotros (link) se encuentran de viaje por sudamérica entrevistando a jóvenes artistas contemporáneos. En Argentina, los primeros entrevistadas fuimos Juan Saenz Valiente y yo:

Muchas gracias, pasamos una tarde muy linda, de cerveza, cigarrillos...y skate.

DGMW ya a la venta

2011-09-01T21:14:00.001-03:00

Damián Connelly (Guión)
Berliac (Dibujo)

1964. Henry Rowland, periodista, llega a un pequeño pueblo del Mississippi tras la pista del mítico bluesman Skip James. Pero cuando allí conozca a la bella Marion y su excéntrico padre, se verá envuelto en un misterio mucho más oscuro y difícil de resolver.

96 págs. (B y N) 14 x 20 cm.
ISBN: 978-987-25098-5-9
P.V.P.: $ 35,00
+ información: (link)

PREVIEW:

"Yolanda" en revista Carconcito # 14 (Perú)

2011-08-22T18:15:00.000-03:00

El número 14 de la revista peruana Carboncito (link) se presentó ayer en Buenos Aires. En este número sale "Yolanda", historieta dibujada por mí con textos de Sofía Sforza (link). Agradezco a los editores Amadeo y Renso Gonzales por invitarme a participar.

Work in progress + Link

2011-08-17T17:43:00.000-03:00

Mientras espero a que "DGMW" salga de imprenta, me encuentro trabajando en mi próximo libro, "Cien Volando", por Llantodemudo Ediciones. Será una novelita gráfica de tan sólo 64 páginas, de historias unidas por un simpático personaje.

Para apaciguar la espera, recomiendo leer "Diario", una novela gráfica autobiográfica de Loris Z, aún en curso: (link)

Notas sobre narrativa gráfica #16

2011-08-09T16:35:00.000-03:00

El misterio no necesariamente debe estar en el plot.

Festivales Bolivia 2011

2011-07-26T19:59:00.000-03:00

En el marco de la Semana del Cómic de Santa Cruz estaré realizando las siguientes actividades:

Lugar: Centro Simón Patiño ( Más información: link )

Jueves 28 de Julio

17 hs: Charla abierta: Primeros pasos de la novela gráfica en américa latina.

19:30 hs: Taller de adaptación de textos literarios al lenguaje de la historieta, parte 1.

Viernes 29 de Julio

19 hs: taller de adaptación de textos literarios al lenguaje de la historieta, parte 2.

En el marco del Festival Viñetas con Altura de La Paz estaré realizando las siguientes actividades:

Lugar: Museo de Etnografía y Folklore (Más información: link )

Lunes 1ro de Agosto (Auditorio)

15 hs: Charla y dibujo en vivo.

Del 1 al 6 de agosto (Patio Siglo XX)

Exposición colectiva: Grupo Convoy

Notas sobre narrativa gráfica #15

2011-07-12T18:27:00.002-03:00

No es cierto que el "tiempo" de una historieta transcurra más lento por separar una misma acción en varias viñetas.

Mientras tanto, en Colombia...

2011-07-12T16:22:00.001-03:00

A Colombia le tengo un cariño especial, ya que desde la revista LARVA, siempre encontré un espacio en donde publicar y mostrar mi trabajo al público de allí, donde, tengo entendido, siempre fue bien recibido.

Por eso quiero llamar la atención sobre un artículo publicado en el diario El País, de Colombia. Dos cosas me conmovieron. Primero, el tema, presentado de forma contundente, resumido en este párrafo:

"...la Ley 98 de diciembre de 1993, mejor conocida como la Ley del Libro, decidieron que la carga impositiva de los cómics debería estar al mismo nivel de la de la industria pornográfica o la de los juegos de azar. Esto significa que la historieta, desde la óptica legal, es vista exclusivamente como una fuente de entretenimiento personal y cuyo aporte a la cultura y la sociedad es inexistente".

Me solidarizo con los autores y editores colombianos, y espero puedan revertir la situación en breve.

Pero también me sorprendió cómo está escrito el artículo, su óptica, y su transparencia. El periodista aclara desde un comienzo ue está casado con uno de los protagonistas del movimiento, y por si fuera poco nos dice que quiere "dejar contentos a mis amigos comiqueros (o historietistas o narradores gráficos o como quiera llamarse cada uno) y a mi esposa, por supuesto, pero también quiero que los lectores desprevenidos puedan entender este artículo y entusiasmarse con el tema sin caer perdidos en el laberinto insalvable de las referencias cruzadas y los guiños autorreferenciales que suelen dominar el medio". Hacia el final, después de haber enumerado los exponentes principales del medio, sin adularlos sino citando directamente las críticas publicadas en otros medios, remata:

"Los ejemplos anteriores, sin embargo, son sólo la punta del iceberg. La verdad es que hoy en día el medio de los cómics en nuestro país está verdaderamente caracterizado por la diversidad y la madurez que lentamente ha ido trayendo consigo esta multiplicidad".

El artículo empieza y termina de forma frontal, sincera, humilde. Ojalá los periodistas de los medios grandes de acá escribieran así: con conocimiento de causa, con ganas de ayudar, con miras de heterogeneidad.

El artículo en cuestión: (link)

Notas sobre narrativa gráfica #14

2011-07-09T20:41:00.003-03:00

Lo que muchos no tienen en cuenta es que absolutamente todas las expresiones artísticas, sin excepción, en algún momento tomaron conciencia del potencial de su propia disciplina en un contexto cultural determinado. La reacción natural una vez alcanzada esta madurez, es la de separarse del tronco. Así como hace siglos la pintura decidió despegarse de la religión para fijarse en otras cosas (haciendo de la pintura un ritual en sí mismo), y los cineastas de los años 50 y 60 dieron la espalda a las formas y contenidos del cine comercial de la época, hoy el cómic se encuentra en una etapa similar. Lo que hace algunos años era una ligera pendiente por las que sólo unos pocos se podían permitir transitar (pienso en Breccia, en Crepax), hoy es una empinada por la que casi no queda otra alternativa más que escalar. El que no ve este fenómeno es porque tiene en sus manos piezas sueltas del rompecabezas, pero ni sospecha el dibujo completo. Para este tipo de lector/autor no hay lugar para lo evidente: que el cómic tiene su propia historia, y que ésta se va a abrir camino como el pasto entre las baldosas.

Trailer de "DGMW"

2011-07-08T19:51:00.000-03:00

Notas sobre narrativa gráfica #13

2011-06-26T20:00:00.001-03:00

Esta se la robé a Martín M. Muntaner:

El guionista de historietas debería ser algo así como un dramaturgo, y el dibujante el director de la obra:

El dramaturgo escribe "El personaje enciende una fogata". A partir de allí, es tarea del director si encender un fuego de verdad en el escenario, o si se representa con celofanes rojos y amarillos con un ventilador debajo, o si entra un actor con una camiseta estampada con la palabra "FUEGO" y alrrededor suyo el elenco se calienta las manos. De la misma manera un guionista de historietas no debería escribir jamás sobre aspectos visuales que no sean imprescindibles para el desarrollo de la historia.

Periódico Acción

2011-06-17T18:27:00.001-03:00

La nota de tapa de la edición Nº 1.075 del Pediódico Acción está dedicada a la "nueva generación de historietistas criollos", para la cual respondí algunas preguntas. Además salí en la foto. También parlan mis amigos Kioskerman y Quique Alcatena. Agradezco al periodista Andrés Valenzuela y al fotógrafo Horacio Paone.

La nota completa aquí: (link)

Notas sobre narrativa gráfica #12

2011-06-10T19:41:00.000-03:00

"Aprende a usar el blanco como el color más importante y te gratificarás con los resultados".

Del Scrapbook de Roy Crane

Notas sobre narrativa gráfica #11

2011-06-07T15:59:00.000-03:00

Si viñetas y páginas son unidades - eslabones - en sí, antes que agregar viñetas prefiero agregar páginas.

Work in progress

2011-06-03T13:29:00.000-03:00

En estos momentos me encuentro rotulando las 90 páginas de mi próxima novela gráfica: DGMW, con guión de Damián Connelly:

Además, estoy trabajando en los primeros episodios de mi regreso a Factum Grafonovelas Semanales, esta vez con guión de Sofía Sforza:

Notas sobre narrativa gráfica #10

2011-06-01T18:46:00.000-03:00

Al igual que en otras artes plásticas (y en algunos experimentos literarios), en el cómic el único tiempo que existe es el de lectura. Una imagen compleja a toda página puede leerse igual de lento (o rápido) que una página de 20 viñetas de complejidad total idéntica. Todo "tiempo" interno (el tiempo que transcurre para los personajes) es un mero simulacro.

Celdas Contiguas

2011-05-31T23:07:00.000-03:00

"Celdas contiguas" es el título del blog donde junto Manuel Depetris (link) subiremos nuestras cartas en forma de cómic. La idea no es original, ya lo vienen haciendo los geniales Aidan Koch y Jaako Pallasvuo (link).

De este proyecto me interesa el aspecto"meramente" comunicacional del cómic. Aquí el destinatario es alguien en particular, muy al contrario del "lector anónimo" de un libro, o en el caso de un diario íntimo donde el lector es (en teoría) exclusivamente uno mismo, o en el de una bitácora, donde el lector es algo así como "la posteridad". La correspondencia, por supuesto, se publicará en tiempo real.

Hacer click en la imagen para comenzar a leer (nos).

Notas sobre narrativa gráfica #9

2011-05-10T00:45:00.000-03:00

Ojo con la "buena narrativa". Evitar caer en malabarismos. Los juegos de cámara de un programa de televisión en vivo narran, pero no expresan.

Notas sobre narrativa gráfica #8

2011-04-30T17:54:00.002-03:00

Mínimo y máximo, una viñeta fuerte por página. La "suma" de las viñetas adyacentes tiene que "pesar" lo mismo que la más importante.

"Coupe Papier" en Gorgonzola #16 (Francia)

2011-04-20T19:43:00.001-03:00

En el número 16 de la antología "Gorgonzola" (Francia), sale publicada la historieta de 2 páginas "Coupe Papier", que hicimos hace ya algún tiempo con Sofía Sforza.

Participar en esta publicación (que cuenta entre sus colaboradores nada más ni nada menos que a José Muñoz) fue posible gracias a una persona en particular: Claire Latxague. Gracias Claire.

Grupo Convoy: muestra de historieta

2011-04-19T00:10:00.001-03:00

Los invito a la presentación oficial de Grupo Convoy, un proyecto colectivo de creación, publicación, discusión, difusión, enseñanza y exposición de historietas.

Dentro de Convoy y junto a otras tareas, tendré el honor de desempeñarme como director de Zinemateca, una pequeña fábrica de fanzines, que también estará presentando sus primeros 4 títulos.

Habrá algo de beber, algo de música, exposición de medio centenar de originales, dibujo en vivo y dedicatoria de libros. También contaremos con la presencia de dos de los autores del colectivo que no residen en Buenos Aires, Manuel Depetris, de Rosario, y Pedro Franz, de Brasil.

Los espero.

Notas sobre narrativa gráfica #7

2011-04-07T01:41:00.000-03:00

Leyendo y viendo algunos videos, descubro que en el idioma japonés, a mi juicio el país más avanzado - en todo aspecto - en esto de la narración en imágenes, no se dice del historietista que "dibuja", sino que "escribe" manga. Escribir no con palabras, sino con imágenes. Algo así tenía en mente Alexandre Astruc para el cine cuando acuñó el término "camera-stylo" (cámara-lapicera), donde: "(...) La puesta en escena ya no es un medio de ilustrar o presentar una escena, sino una auténtica escritura". (fuente)

Notas sobre narrativa gráfica #6

2011-03-17T18:06:00.000-03:00

No confundir repetición artificial de gestos con psicología: los personajes no tienen psicología, es la historia (sus qués y sus cómos) la que contiene una psicología. El cómic como un todo, la obra, es un reflejo directo de las decisiones (narrativa, composición, palabras empleadas, argumento -si lo hay-) y accidentes (todo lo referente al dibujo: trazo, manchas, etc), de una persona real, el autor. El autor sí tiene psicología, en tanto persona real.

Muy pronto: DGMW

2011-03-10T21:50:00.000-03:00

Me encuentro trabajando en lo que será mi próxima novela gráfica: "DGMW", con argumento original y diálogos de Damian Connelly (link).

En la foto, Pichuco chequea la continuidad narrativa y el buen funcionamiento de los splash-page en el storyboard:

La historia está ambientada en Bentonia, Mississipi, en 1963. El periodista Henry Rowland sigue la pista del desaparecido bluesman Skip James (link) hasta el pueblo natal del músico. Una vez allí el protagonista vivirá en carne propia aquel viejo dicho: "Pueblo chico, Infierno grande".

El título de la novela responde a las siglas del tema que hiciera famoso a Skip James, "Devil got my woman" (link).

Muy pronto postearé más novedades (fecha de publicación, etc), bocetos y algunas páginas de adelanto.

Beleléu 1.0, para ipad

2011-02-14T19:37:00.000-03:00

La antología brasileña "Beleléu" (link), en la cual se publicó mi trabajo "A desculpa do amor", ya está disponible en su versión digital para Ipad. Para adquirirla, basta con ir aquí: link

Notas sobre narrativa gráfica #5

2011-02-04T17:58:00.002-03:00

En mi taller de narrativa gráfica, el otro día una asistente me confesaba lo mucho que le cuesta entintar, mantener la frescura del lápiz al entintar el trabajo. "No lo entintes", le respondí, "¿quién te obliga?"

El método "Primero lápiz, después entintado" parte de que originalmente el sistema de impresión de los periódicos y revistas de consumo masivo era incapaz de reproducir demasiadas escalas de grises

En principio, a esta limitación técnica se adaptaron los artistas de cómic, y no viceversa. Con el correr del tiempo, de esta adaptación, de este "defecto" surge un lenguaje gráfico, y de este lenguaje, un gusto o preconcepto sobre qué rasgos estéticos ha de tener un cómic, uno de los cuales - el más importante, me atrevería a decir - es el principio de iconicidad o "rápida lectura". A su vez, los distintos recursos del entintado ayudan no sólo a este principio de iconicidad, sino a acortar los tiempos de realización del trabajo, algo indispensable en una industria de tiempos tiránicos:

(fuente)

Todo en el cómic tradicional -ejecución, impresión y soporte- está diseñado para convertir a la disciplina en un producto de "leer y tirar", es decir, barato. No alcanza con verlo como fenomeno en sí: se aprecia mejor al contrastarlo con los métodos de ejecución/reproducción/soporte del "Arte".

Hoy en día el peor método de reproducción supera al mejor de hace 50 años, pero el método imperante en el cómic sigue siendo el de "lápiz primero, entintado después", aún incluso para obras destinadas a leerse en pantalla. sostengo que mientras este continúe siendo "El método", un buen entintado se seguirá pareciendo bastante más a esto:

que a esto:

(Lewis Carroll 1864, imagen pública)

La mayoría de quienes comienzan a hacer cómics entran por la estrecha puerta (una vez más) del cómic, sin siquiera contemplar la posibilidad de que existen otras maneras de hacer. El pre-condicionamiento de la reproducción ya casi no existe, pero sí de los otros, igual de artificiales, es decir: cambiables.

"Escribidor" y "Abrecartas" en revista Larva #11 y #13 (Colombia)

2011-01-27T13:54:00.000-03:00

Finalmente me llegan los ejemplares de la revista "Larva", de Colombia, donde se publicaron un par de trabajos míos.

En el número 11 (Julio 2010) se publica "Escribidor", un cómic de 5 páginas escrito por el catalán Jordi Olmos (link):

En el número 13 (Noviembre 2010) se publica "Abrecartas", con textos de Sofía Sforza (link):

El número 13 es un número especial. El nivel es altísimo, uno termina opacado ante tanto talento. Los autores que desfilan son verdaderos monstruos: Kwaichang Kráneo, John Joven, Frank Arbelo, entre otros. Además no puedo evitar sentirme como en casa al ver que sale publicado un cómic escrito por Martín M. Muntaner y dibujado por Matías San Juan, ambos miembros de Convoy, colectivo de historietistas al que tengo la suerte de pertenecer.

"Persona", de Loris Z, y "Humanillo", de Jorge Quien

2011-01-20T15:11:00.000-03:00

Hay libros que sin proponérselo son hermanos. Su madre, en el caso de hoy, es la visión común sobre el lenguaje mediante el cual el autor se expresa (y ya el hecho de creer fervientemente que es posible "expresar" algo en forma de historieta es toda una visión en sí misma).

No suelo gustar de la recopilación de material ya publicado. Pero cuando de la yuxtaposición de historias surje "algo" que de ninguna otra manera se hubiese conseguido, ahí la cosa cambia. Este es el caso de "Persona" , de Loris Z (Italia, 1980) y "Humanillo", de Jorge Quien (Buenos Aires, 1970).

Este "algo" presente en ambos libros, muy logrado, es un "factor tiempo" muy particular.

En "Persona" pasar las páginas es avanzar no sólo en el espacio, sino en el tiempo. Y no hablo del tiempo "real", aquel que se nos indica en las portadillas que aclaran de qué ejemplar del zine homónimo fueron tomadas las historietas de cada capítulo y en qué año fueron publicadas originalmente, ni del tiempo de los personajes, sino del tiempo interno del libro como un todo: el dibujo va mutando, los intereses del autor cambian o se reformulan, para volver a unirse por los extremos, al igual que un tren de juguete, una fuente de diversión sin final. Aún así es interesante como ambos tiempos (interno/externo) coinciden. Por ejemplo, en las primeras páginas de "Persona" vemos a un Loris Z con pelo y lentes oscuros, más adelante con su aspecto actual símil Johannes Itten (link), y finalmente ya ni siquiera aparece, en una prueba de que cierto tipo de autores, alcanzada una cierta madurez, ya no necesitan dibujarse a sí mismos durante cuadros y cuadros, sino que su persona ha de manifiestarse necesariamente en el trazo y en las palabras: en la historieta.

En "Humanillo" el factor tiempo no se aprecia en una progresión lineal o cronológica de los contenidos y las formas, sino en su variación anárquica (es decir, deliberada aunque no necesariamente consciente). Jorge Quien también renuncia a graficarse a sí mismo de manera convencional. En "Impresiones Bio-Gráficas", donde el autor se describe a sí mismo como ente real ni a través de la iconicidad extrema (o "personaje de historieta") ni en lo más cercano a lo "real" posible, una foto, sino en el dibujo de una foto, explicando un poco la elección del título: la vida y la gráfica se combinan dando origen a un todo más vivo aún que las partes por separado. Y por supuesto el tiempo interno coincide con el externo también en "Humanillo": a partir de la página 110 se hace de noche para ya no amanecer.

Para resumir esta cuestión, es interesante como ambos autores proyectan su Yo no mediante acontecimientos o anécdotas puntuales (que tambián las hay, y muy divertidas), sino en el tratamiento que otorgan a la forma de contar estas anécdotas y/o sobre todo los pasajes de ficción. Ambos autores redefinen a su manera el concepto de "persona", o mismo el de "humano": en manos del artista, una persona es un humanillo de indias.

Ni siquiera hay distanciemiento allí donde el material no le pertenece a los autores. Otro punto en común entre en ambos libros es el uso recurrente de citas (y en esto no difieren del resto de los libros de la editorial La Pinta). Si en su momento a mí se me criticó el uso (robo) de citas en "Rachas", entonces Loris Z y Jorge Quien son algo así como Dillinger y Capone. Loris Z (afortunadamente) incluye una por capítulo. Y el mismo Jorge Quien no deja de expropiar a sus referentes, ¡si hasta elabora un cómic entero con textos de Gilbert y George! ¡Marche preso!

Por último, si hay algo que resulta indispensable para atar un piolín alrrededor de trabajos dispersos (o poner la correa a semejantes bestias) es el diseño del libro como objeto. Pablo Vigo (link) prueba como en distintos tamaños, recursos y ambiciones (papel, tamaño, colores) es posible hacer las cosas bien, tanto a los efectos estéticos (tan abandonados por las editoriales de historietas de siempre) y/o conceptuales (estos últimos no cayeron en desuso: nunca estuvieron).

La editorial La Pinta (link) sigue arriesgando, publicando autores que pisan fuerte y en silencio por fuera del circuito oficial(izado) de la historieta argentina. Esto me hace pensar: en el tango "Corrientes y Esmeralda" Caledonio Flores escribió que en dicha esquina rea cualquier cacatúa sueña no con "la voz", "el estilo" o siquiera "el éxito" de Carlos Gardel, sino con "la pinta"? Si lo más importante en un autor es "la voz", ¿será que en orden de importancia necesariamente lo que sigue es La Pinta? Dije que la editorial arriesga, y por esto le deseo suerte, ya que como se dice en Wikipedia sobre las carabelas de Cristóbal Colón en su viaje de descubrimiento: "La Pinta era la más velera de las tres naves colombinas (...) y con frecuencia tenía que esperar a las otras dos durante el histórico viaje".

"Del Rostro a los años" en la revista Café Espacial #8 (Brasil)

2011-01-19T16:02:00.000-03:00

Esta es mi segunda colaboración con esta excelente revista cultural brasileña. El alto nivel de los colaboradores es muy estimulante. Esta historieta también fue publicada en Eslovenia (link) y aquí mismo en Argentina (link), y los textos fueron escritos, les recuerdo, por Sofía Sforza (link).

Flickr

2011-01-15T23:00:00.000-03:00

Más cosas en mi Flickr: (link)

Notas sobre narrativa gráfica #4

2011-01-13T14:04:00.000-03:00

"The mark you make is the mark you see". Art Spiegelman.

Dibujar la página en un tamaño lo más cercano posible al que será reproducida.

Según Spiegelman (link), y concuerdo, el proceso de reducción del original al tamañode impresión crea un mayor distanciamiento - un filtro - entre el lector y el pensamiento aplicado por el autor al crear la página.

La solución a este problema se aprecia en el mismísimo "Maus", donde el original fue hecho al mismo tamaño en que se iba a imprimir. Así se consigue más efectivamente que "la marca que se hace es la marca que se ve", sin refinamientos, pérdida de detalle, etc, creando una lectura casi indéntica (dependiendo de la calidad de reproducción) a la de un cuaderno.

Muchos podrán arguir que el artista trabaja el original sabiendo ya que "algo se va a perder", o incluso que "algo se va a potenciar", sobre todo cuando son páginas plagadas de detalle. No cambio la experiencia de sostener en mis manos una página de, por ejemplo, Quique Alcatena, ni por mil reducciones de sus obras. La versión original también es historieta.

Aguafuertes Comiqueras: "Agua y aceite"

2011-01-12T23:16:00.003-03:00

1 - "Los industriales" se quejan de que no hay trabajo, de que no se puede vivir del cómic, de que nadie lee historietas, de que "los autorales" no sabemos dibujar y nuestras historias no tienen pies ni cabeza. En fin, se quejan de que sus historietas están en crisis: su castillo de naipes se desmorona, y lloran.

2 - "Los autorales", mientras, sacamos obra. En baja tirada, sólo en librerías, de lujo, en fotocopia, mal dibujadas, sin guión, en alpargatas, abajo del agua: obra.

Leer al artículo completo aquí: (link)

Notas sobre narrativa gráfica #3

2011-01-07T19:01:00.000-03:00

"Poner en una imagen lo que a un escritor le llevaría 10 páginas describir". Robert Bresson.

En una página de cómic, la imagen es información, y debe requerir su propio tiempo de lectura. Esto se lleva al extremo cuando la viñeta, la página, o directamente la obra no continenen diálogos: la densidad, complejidad - es decir, el tiempo - de lectura, entonces, pasa exclusivamente por la imagen, y no sólo sus qués (qué es lo que vemos, qué cantidad de elementos están en el plano, qué tan complejos son los fondos) sino también (sobre todo en el caso de los dibujantes más "plásticos") sus cómos: trazo, textura, color, encuadre, ángulo, etc. Todo ello es información. A mayor nivel de información, mayor tiempo de lectura.

Reseña de "5 para el escolaso" en 365 cómics por año

2011-01-07T18:50:00.000-03:00

"El estilo narrativo de Berliac es así: adusto. Cuanto menos te cuente, mejor. Cuanto menos hablen los personajes, mejor".

Andrés Accorsi reseña mi novela gráfica "5 para el escolaso" en su blog 365 cómics por año: (link)

Nueva sección: Notas sobre narrativa gráfica

2011-01-04T20:05:00.001-03:00

Desde hace unas semanas dicto un taller de narrativa gráfica. Durante el mismo se me preguntó por qué no anotaba en algún lado ciertos conceptos breves que tiro al pasar. Así que esta sección consistirá básicamente en eso, recopilar notas sueltas sobre diversos aspectos formales de la historieta que a mí me interesa tratar. Además, posibilitará a los asistentes de mi taller tener al alcance de la mano las cosas que vamos viendo durante nuestras reuniones.

A propósito: quien quiera asistir, no dude en escribirme un mail a berliac@bibliopinta.com .

"Pingelap" en Revista Ñ

2011-01-01T21:18:00.000-03:00

Una breve reflexión en torno a mis dos colores favoritos. Apareció ayer viernes 31 de diciembre con el diario Clarín, al que le haya gustado quizá todavía haya alguna en su puesto de diarios amigo.

momentum: "brodo di niente", de Andrea Bruno (2007)

2010-12-31T13:46:00.001-03:00

El último momentum del año es también el último de todos. Para finalizar con esta sección, me pareció más que justo incluir una viñeta de quien fue mi máxima influencia a lo largo del 2010. No sólo el trabajo, sino tambien el consejo de Andrea Bruno a través de varios e-mails, hicieron de la elaboración de "5 para el escolaso" una verdadera tarea de aprendizaje.

La mejor decoración, cuarta entrega (2010)

2010-12-30T16:04:00.001-03:00

Una lista aproximada de los libros que leí este año:

Cómics

"Pictures that Tick", de Dave McKean
"Big Man", de David Mazucchelli
"Young Lions", Blaise Larmee
"Souvenir d'un journée parfaite", de Dominique Goblet
"Los perros de Pavlov", de Javier Bordón

"Negres Jaunes", de Yván Alagbé
"The Whale", de Aidan Koch
"Promessas de amor a desconhecidos vol.1", de Pedro Franz
"Trazo de tiza", de Miguelanxo Prado
"Adolf Vol.1", de Osamu Tezuka
"Harlem Blues", de Guido Crepax
"Jesuita Joe", de Hugo Pratt
"Negro", de Alberto Breccia
"Tango en florencia", de Oswal
"Como un río", de Wazem
"Persona", de Loris Z
"Humanillo", de Jorge Quien
"Mansión Masticante", de Jorge Quien
"Vichoquien", de Quien / Vicho
"Portable Frank", de Jim Woodring
"Sigilo", de Juan Saenz Valiente
"Matufia", de Juan Saenz Valiente
"La burbuja de Bertold", de Agrimbau / Ippóliti
"Camboya", de Séra
"Copacabana", de Odyr / Lobo
"Tintín: La estrella misteriosa", de Hergé
"El estado de Joey", de Sanchez Zamora
"Casa de los Secretos: Fachada", de Teddy Kristiansen
"El libro secreto de Marco Polo", de Enrique Alcatena
"La fábrica", de VV.AA
"Los trabajos del agua", de VV.AA
"Callejones rojos", de Debor / Minaverry

Narrativa
"La invención de Morel", de A. Bioy Casares
"El pecado mortal", de Silvina Ocampo
"¿Quién mató a Rosendo?", de Rodolfo Walsh
"Rififí", de August Le Breton
"La caída", de Albert Camus
"Con las mujeres no hay manera", de Boris Vian

Ensayo
"Existencialismo y sabíduría popular", de Simone de Beauvoir
"Art and Fear", de Boyles / Orland
"Consejo para futuros gobernantes", de César Bruto
"El oficio de las viñetas", de Alejandra Vasquez
"Zines: notes from the underground", de Stephen Duncombe
"Elogio de la sombra", de Tanizaki
"Notas sobre el cinematógrafo", de Robert Bresson"
"Esculpiendo en el tiempo", de Andrei Tarkovsky
"Taz: zona temporalmente autónoma", de Hakim Bey

momentum: "la pluie", de eric lambé (2005)

2010-12-21T19:19:00.000-03:00

Revival de "Los Piantados"

2010-12-21T19:17:00.001-03:00

2 años han pasado desde que allá por el 2008 iniciara mi primer webcomic, mi proyecto más ambicioso hasta aquella fecha, "Los Piantados".

A más de uno podrá extrañarle que justamente yo haya escogido para debutar en sociedad (?) el género humorístico. No rescato demasiado de aquella serie, aunque en el episodio 11 se adivina el germen de una estructura narrativa que desarrollaría algo mejor en mi primer libro, "Rachas".

A fin de aligerar un poco la navegación decidí eliminar los episodios de este blog y crearle a "Los Piantados" un blog propio, para leerlo como se debe: (link)

Espero que a más de uno le traiga los mismos gratos recuerdos que a mí, disfruté mucho al hacerlo.

Entrevista en Cuadritos Periodismo de Historieta

2010-12-19T22:07:00.000-03:00

Andrés Valenzuela me entrevista. Además de repasar un poco la realización de mi novela gráfica "5 para el escolaso", tocamos todos los temas que más me gustan: mujeres, tango, film noir, viajes, anarquismo. Nos faltó el boxeo y el whisky. Ah! Y de historieta también algo se habló: (link)

Reseña de "5 para el escolaso" en Comic.ar

2010-12-18T14:30:00.002-03:00

"¿Es posible tomar los lugares comunes del policial negro y trastocarlos completamente? Hay demostraciones (muchas) de que sí se puede. 5 para el escolaso es uno de esos casos".

Leer la reseña completa aquí: (link)

momentum: "Flower Poem", de Seichii Hayashi (1969)

2010-12-17T19:16:00.000-03:00

Expo: Bande Dessinée argentine contemporaine (Rhône-Alpes, Francia)

2010-12-15T16:56:00.001-03:00

Del 7 al 9 de enero, se llevará a cabo la exposición colectiva " Bande Dessinée argentine contemporaine", en Rhône-Alpes, Francia. Además se estará presentando la revista "Gorgonzola" en su número especial dedicado a la historieta argentina. Además de mí, entre los expositores están Hernán Cañellas, Ernán Cirianni, Pedro Mancini, Juan Sáenz Valiente y Juan Soto, entre otros.

+ información aquí: (link)

momentum: "Le curé", de Christian de Metter (2001)

2010-12-11T18:58:00.000-03:00

Odyr al habla

2010-12-09T16:46:00.001-03:00

El autor brasileño Odyr habla sobre mi trabajo:

Me gusta ver como Berliac escapa de la trampa en que a veces caemos, de crear y mover un personaje por las páginas como si fuese un fantoche (...) su trabajo busca lo máximo que la historieta puede ofrecer - una especie de salto entre imágenes. En sus densas imágenes, entre la pintura y el cine, casi encerradas por la tinta, donde el blanco se torna luminoso, no existe separación entre las figuras y el fondo. No hay un personaje superpuesto en un escenario. Hay todo un mundo sólido, sombrío, y de gran belleza (...)

El artículo completo (en portugués) aquí: (link)

-

Edición: Quiero comentar algo sobre lo que dice Odyr: "una especie de salto entre imágenes". Si para mí la lectura de un cómic equivale cruzar un río colocando piedras en donde pisar ( colocar viñetas, en mi caso), rehuyo de lo que el cómic comercial suele hacer: colocar las piedras muy juntas. No hay diversión, eso no es saltar, es caminar. Al poner las piedras más lejos entre sí con el fin de animar al lector a saltar, a "ejercitar" una lectura, soy conciente de que por ahí algún desprevenido se salpique un poco las patas. Pero no sólo no temo a que ello ocurra, si que lo considero necesario, al menos para los lectores "limpios", que no temen al agua. Y si alguno de ellos llegase a caer al río, mejor: a fluir en él, y que nos lleve donde nos lleve.

Nuevo website

2010-12-08T20:33:00.000-03:00

Mi sitio web tiene nuevo look: www.berliac.com

Reseña de "5 para el escolaso" en Cuadritos Periodismo de Historietas

2010-12-07T13:54:00.000-03:00

Andrés Valenzuela describe perfectamente mi reciente novela gráfica:

"una buena narración, de diálogos con el tono justo, sin naturalismo, pero sin esfuerzo."

Leer la reseña completa aquí: (link)

Momentum: "Takemitsu Zamurai", de Taiyo Matsumoto (2006-2010)

2010-12-06T16:31:00.000-03:00

Los chorizos de mi padre

2010-12-05T15:09:00.001-03:00

Mi padre es peluquero desde hace unos 50 años. Hacia el 2003, cansado de la ineficiencia y el poco amor al rubro de sus empleados, cerró su peluquería y ahora trabaja en su casa. Gana el doble.

Entre cliente y cliente, para matar el tiempo, hace chorizos. Va con su coche hasta el campo y compra carne de la mejor calidad posible, pica la carne, la mete en la tripa, los cuelga en su patio durante unas semanas y están listos para comer. Le sale mucho más barato hacerlo de esta manera. Muchas veces, además, los vende. Más caros que el carnicero, pero al que le gusta comer bien lo paga sin pensarlo porque los chorizos de mi padre, por el esfuerzo y el cariño que pone en hacerlos, son infinitamente más ricos que cualquier chorizo que pueda hacer cualquier persona que lleva años en el gremio de la carne.

Yo quiero ser como mi padre, sólo que en lugar de hacer chorizos, prefiero hacer historietas.

Reseña de "Rachas" en Dos Cafés y una mesa

2010-11-29T09:56:00.001-03:00

A más de un año de haber sido publicado, cuando ya empiezo a mirarlo de forma algo risueña, "Rachas" sigue dando que hablar: link

Muchas gracias a los muchachos de Dos Cafés y una Mesa.

Momentum: "Helping Shou", de Ouji Suzuki (1969)

2010-11-22T17:11:00.002-03:00

Necesidades y terminologías comparadas.

2010-11-18T18:02:00.000-03:00

Recientemente leía en "Notas sobre el cinematógrafo", de Robert Bresson, frases y reflexiones que perfectamente podrían aplicarse a la narrativa gráfica. Pero quizá lo que más me asombró (y terminó de confirmar ciertas sospechas mías) fue descubrir una necesidad repetida de diferenciación desde lo terminológico de la propia obra en conflicto con la producción industrial: Bresson no llamaba CINE a su arte, sino:

‘CINEMATÓGRAFO’, que es “una nueva forma de escribir y, por tanto, de sentir”. Si casi todo el cine, tanto el más convencional como el que posee ciertas pretensiones ‘artísticas’, se sostiene sobre los retóricos principios del espectáculo, que aglutina para cimentarse diversas artes ya existentes (pintura, teatro, literatura o música), Bresson trata de elevar su cinematógrafo a la categoría de disciplina absolutamente independiente, con una escritura cuya sintaxis está todavía por explorar y el elemento primordial del cual es el montaje, único componente del cine que le pertenece en exclusiva y que le permite, por su esencia relacional y mediante la figura de la elipsis, engarzar rítmicamente gestos, miradas y silencios en el conjunto de la película.

(fuente)

Y dije "necesidad repetida" porque el Cinematógrafo de Bresson me recordó a esto:

Gekiga es el vocablo japonés para "imagen dramática". El término fue creado por Yoshihiro Tatsumi y adoptado por muchos otros mangakas serios que no querían que su trabajo fuera conocido como manga ó "garabatos". Es comparable con Will Eisner quien comenzó a llamar a sus historietas "Novelas gráficas" en contraste a los "libros de historietas o comic books" por la misma razón.

(fuente).

Me atrevo entonces a plantear una serie de correspondecias y analogías, de esas que tanto me gustan:

SI

A.(para Bresson) CINEMATÓGRAFO ≠ CINE (ENTRETENIMIENTO)
B.(para Tatsumi, y posteriormente para el público) GEKIGA ≠ MANGA (ENTRETENIMIENTO)
C.(Según Eisner) NOVELA GRÁFICA ≠ CÓMIC (ENTRETENIMIENTO)
y si
D. (según Wikipedia) GEKIGA = NOVELA GRÁFICA

Entonces, según esta lógica:

GEKIGA / NOVELA GRÁFICA = CINEMATÓGRAFO
MANGA / COMIC = CINE de entretenimiento

(*Nota: los símbolos "=" y "≠" simbolizarían "se corresponde a" y "difiere de").

A mí, más que entrar en la interminable discusión de qué es una novela gráfica, me interesa bastante más explorar el lado subjetivo del por qué esta necesidad de categorización, la misma que asaltó a Bresson, a Tatsumi y a Eisner. Y pongo el énfasis en esto de necesidad: insatisfacción. Si para satisfacer esa necesidad se requiere usar mil términos: todo vale, para eso están, y si no están, se los crea (como hizo Bresson, como hizo Tatsumi). Esta manera puede pecar de arbitraria, y debe serlo ya que es útil a los efectos de cada uno. De esta forma, los que quieran hablar de COMICS seguramente encuentren en esta crítica de X-MEN frases que se puedan aplicar perfectamente al tipo de historietas que leen y/o hacen:

"La Trilogía de X-Men le ha representado a Marvel más de 1,163 millones de dólares que además ha visto en cada entrega como se ha aumentado el número de espectadores a pesar de asumir el riesgo de que no todas las entregas hayan tenido los lineamientos de un mismo director. La responsabilidad en esta ocasión recae sobre Gavin Hood quien dirigió la ganadora al Oscar a Mejor Película de Habla No Inglesa".

Y los que prefieran los no-cómics pueden llegar a encontrar en estas "Notas sobre el cinematógrafo", de Robert Bresson, frases bastante aplicables al tipo de trabajo que leen / hacen:

Flickr

2010-11-17T16:41:00.001-03:00

+ en mi Flickr (link)

Momentum: "From all our dark rooms", de Steve Ditko (1957)

2010-11-16T19:03:00.001-03:00

Reseña de Beleléu

2010-11-16T13:43:00.000-03:00

Este parrafito de una reseña sobre la antología brasileña Beleléu, a la que Kioskerman y yo fuimos invitados a participar, creo que resume eficazmente lo que intento arduamente conseguir con mi trabajo:

Tiene influencias europeas, pero está a la par de lo que anda sucediendo en otros países de sudamérica. Unos dirán que no es historieta. Otros dirán que sí, pero que es una mierda. Otros dirán que sólo leen ese tipo de historieta. A algunos jóvenes desprevenidos que se aventuren a leerla, quizá pueda cambiarles completamente su manera de leer historietas.

Aguafuertes Comiqueras: Puñados de tierra

2010-11-15T18:10:00.000-03:00

Me cuesta creer cómo a esta altura, en este país, la Novela Gráfica (se llama así, y encima lo exagero con mayúsculas) sigue siendo un plato caliente, difícil de agarrar para aquellos que si las cosas no tienen manija ni siquiera las tocan, no sea cosa que se le arruinen las uñas.

Abundan los berrinches, pedacitos de algodón con los que se busca tapar los agujeros en el casco por donde se hunde la historieta popular, barata, en los kioskos y -ya que estamos- faltas de interés real, repetitivas, y por sobre todo casi inexistentes.

Sigue AQUÍ

5 para el escolaso (Preview)

2010-11-14T16:48:00.000-03:00

Ya está a la venta mi primera novela gráfica.

Odyr y sus Berliaques de colección

2010-11-12T16:43:00.001-03:00

Me escribe el amigo Odyr (link), desde Brasil, para mostrarme lo bien que mis dibujos decoran su casa:

Momentum: "La transplantation", de William Henne (1999)

2010-11-12T14:05:00.000-03:00

Sociales

2010-11-06T13:05:00.000-03:00

En el sitio Dos cafés y una mesa me dedican un breve párrafo donde no sólo recomiendan mi trabajo, sino que me presentan con un tono cercano al de una agencia matrimonial. Lo divertido es que, a espaldas mías por supuesto, en el blog de un resentido historietista - argentino y peronista -, él y sus amigotes se dedican a "pintarme" en cuerpo y alma de una forma bastante similar. Lo cierto es que en ambos casos salgo bastante bien parado: en el caso del sitio chileno, por su interés en la historieta y su innegable buen corazón. En el caso de Pessutti y sus Amigos, gracias a su ignorancia y carencia emocional.

Un saludo a todos ellos, en especial a Dos cafés y una mesa, les agradezco por fijarse en mí...aunque con intenciones claramente opuestas.

Se dice de mí: LINK

Notas sobre narrativa gráfica #2

2010-11-02T16:40:00.003-03:00

Ultimamente estoy intentando poner en práctica una rutina de trabajo que hasta ahora me dio muy buenos resultados:

1-Por la mañana, inmediatamente después de desayunar, dibujo por dibujar. En mi caso hago muchas cabezas, desde todos los ángulos, con trazos muy sueltos, sin terminar. Esto sirve para aflojar la mano.

2- Mientras escucho algo de música, reviso las páginas que hice el día anterior. Miro los originales y también los escaneos en pantalla. En el monitor el dibujo tiende a "objetivarse", a verse de una forma menos "cruda". Desaparecen muchos defectos, y aparecen otros.

3- A trabajar en serio. Retomo el trabajo en donde lo dejé el día anterior, o empiezo con otra cosa, o retomo otro proyecto. Me da buenos resultados trabajar en varios proyectos a la vez, porque descansar de uno significa avanzar en otro y vicecersa. Me es importante ir escaneando a medida que voy haciendo. Es un simulacro de "mandar a imprenta", de dar por terminado para pasar a otra página. Si algo no funciona, no lo voy a saber por más que me pase horas ese mismo día, sino al día siguiente, durante el paso 2.

4- Mientras tomo unos mates, le dedico aproximadamente una hora, a veces más, a la documentación. Archivar fotos por categoría, etc. Si no tengo ganas de hacer esto, leo textos teóricos o miro video-entrevistas a directores de cine o escritores (como este), cosas que no tengan el fin de divertirme sino de devolverme al dibujo.

5-Dibujo (o en su defecto trabajo en la computadora, rotulando, etc). Ordeno el estudio y/o preparo los materiales para el día siguiente.

6- Ceno, y antes de dormir, leo o miro un película, siempre con un anotador a mano. Escribo y me voy a dormir. Duermo unas 10 hs por día.

momentum: "Bible John", de Daniel Vallely (1991)

2010-10-31T14:45:00.000-03:00

Momentum: "Rainy Season", de Tadao Tsuge (1969)

2010-10-27T15:43:00.000-03:00

Crack Bang Boom (Rosario)

2010-10-26T21:04:00.000-03:00

Durante el pasado fin de semana, en el transcurso del festival CrackBangBoom de Rosario, improvisamos junto a Loris Z, Jorque Quien y Manuel Depetris, una serie de viñetas de gran formato en el stand de la editorial La Pinta:

(Berliac y Jorque Quien)

(Jorge Quien y Loris Z)

(Manuel Depetris)

Los resultados, por orden de aparición:

(Berliac)

(Manuel Depetris)

(Jorge Quien)

(Loris Z)

(Jorge Quien)

(Loris Z)

(Manuel Depetris)


(Berliac)

Así se veía el stand al final del evento:

El festival sirvió para conocerle la cara a varios de mis lectores, quienes se acercaron de forma entusiasta a que les firme ejemplares, les haga un dibujo, simplemente charlar un rato o, como no podía faltar, intentar hostigarme con conventiyeríos sin importancia. A todos ellos: gracias.

También fue una magnífica oportunidad para conocer a Domingo "Cacho" Mandrafina, con quien tuve el honor de compartir una valiosa charla de más 3 horas durante el viaje de ida en bus; conocer el estudio de Max Cachimba y su gran capacidad para engullir chinchulines y correr colectivos a altas horas de la noche; y al artista visual Lisandro Bella (link), con quien ya estamos planeando trabajos en conjunto.

Para un racconto más detallado del asunto, mejor visitar este post de mi amigo Loris Z: (link)

momentum: "The mystery play", de Jon J. Muth (1994)

2010-10-21T00:15:00.000-03:00

Comentario a "Obstáculos II", de Andrés Valenzuela.

2010-10-20T17:08:00.004-03:00

El siguiente artículo es a la vez un comentario en torno al artículo de Andrés Valenzuela, “Obstáculos II: La figura de Oesterheld” (link), que comienza así:

“A primera vista puede parecer una afirmación provocadora, pero es posible que medio siglo después de la creación de El Eternauta, la figura de Oesterheld se haya convertido en un obstáculo para el desarrollo de la historieta argentina”

y sigue::

“(...) hubo un trabajo de crítica que contribuyó a entronizarlo(s) en ese lugar”

Si entronizar, según la RAE, significa:

1. tr. Colocar en el trono.

2. tr. Ensalzar a alguien, colocarlo en alto estado.

3. tr. Colocar una imagen o una representación iconográfica en un lugar preferente para que sea venerada o admirada.

no puedo evitar discutir desde los no pocos paralelismos políticos y sociales en torno a este tema.

El primer paralelismo que viene a la mente, por obvias razones, es el de la figura Oesterheldiana como símbolo político del peronismo de izquierda. Más allá (y también "dado que") que la "crítica que contribuyó a entronizarlo" fue siempre de orientación izquierdista, la correspondencia simbólica Eternauta/Perón nos lleva ineludiblemente a pensar en la existencia fáctica (en la prensa, entre el público, entre los hacedores bajo su influencia) de un “Eternautismo” (link y link) . Este paralelismo sería un tanto arbitrario si considerásemos tan sólo los factores en común -históricos e ideológicos- de las dos personalidades en cuestión. Pero ¿qué ocurre si analizamos un patrón más amplio, presente en las sociedades responsables de “entronizar” a estas figuras? Esta conducta, me propongo ejemplificar, se repite a lo largo de las décadas al sentar a Gardel en el trono del tango, a Maradona en el trono del fútbol, entre otros muchos ejemplos. A todos estos ejemplos pueden aplicársele, en menor o mayor medida, lo que Valenzuela señala:

“El problema es que se trata de una obra que tiene 53 años y, parece, nadie discute. “

Gardel murió en 1935, el peronismo cayó en 1955, Oesterheld fue secuestrado en 1977, Maradona triunfó en 1986, pero siguen siendo, tanto tiempo después, la vara por la que se miden las cosas, dando como resultado burdas e insistentes imitaciones. Diría más: pareciera que el uno fuese el sucesor del otro en la ardua tarea de satisfacer la perpetua demanda de delegación del poder - aún y sobre todo el de caracter simbólico -, actitud tan enquistada en la personalidad de los argentinos.

Basta con agregarle los otros nombres al final de esta oración de Valenzuela para comprobar a qué apunto:

“Es cierto que no apareció aún un autor ni una obra que pudieran romper con la centralidad oesterheldiana/peronista/maradoniana/gardeliana. Pero no menos cierto es el hecho de que esa centralidad fue construida a posteriori”.

Hacia el final, Valenzuela pregunta:

“¿No está necesitando la historieta argentina romper con la figura de Oesterheld?

Mi respuesta es un SÍ.

Pero cuando vuelve a preguntar:

¿No está necesitando encontrar otro ícono, otro movimiento, otro lugar desde el que pensar una nueva historieta argentina?”

Tira tres posibilidades no compatibles: ícono, movimiento y lugar. Por lo tanto mi respuesta sería NO/NO/SÍ. Gana el NO 2 a 1. Esta negativa es, por otra parte, la mejor manera de entender el trabajo de Oesterheld. Me explico:

Cuando Valenzuela dice, hablando de HGO:

“No es que ni la obra ni el autor sean indignos del sitial”.

Replico: si hay un un sitial hay acólitos. No hay rey sin súbditos. Y si además, para estar en el sitial se ha de ser “digno”, no estar en él implica una cierta (mínima e intolerable) “indignidad”, una esclavitud que radica en el hecho de trabajar sólo para mantener ese sitial.

De ahí mi negativa: no hay que romper con Oesterheld, hay que romper casualmente con la necesidad y/o tendencia de entronizar todo lo que no sea uno mismo, para uno mismo. Caso contrario favoreceríamos la inevitable aparición de otro círculo vicioso de características muy similares a la actual. Y es por esto mismo que en el pasado ataqué los muchos intentos de forjar "otro ícono, otro movimiento, otro lugar desde el que pensar una nueva historieta argentina" (link). Porque esos íconos, como bien señala Valenzuela (y yo extiendo aquí: link) se construyen A PRIORI, cuando el cadáver ya está frío y de forma totalmente arbitraria, aunque no por eso de forma ilógica. Acaso otro de los tantos intentos de "entronización" no sea lo que se discute en los comentarios de este post: (link)

Por ello: no necesitamos otra vara conque medir las cosas: necesitamos dejar de medir. En pocas palabras: abolir el trono es abolir la "esclavitud", o dicho de forma menos exagerada, lo que Valenzuela considera “un obstáculo para el desarrollo”. Ya que ¿cuándo es que surgen estos íconos, como los de Perón, Maradona, Gardel, Oesterheld? Cuando no hay otra cosa, cuando la gente necesita consumar sus expectativas de la forma que sea, aún a condición de doblegarse: ahí son bien recibidas las dictaduras, tiránicas o de la mayoría, es lo mismo. Pero una vez alcanzado el éxito, una vez extinguida la necesidad de un líder mediante el establecimiento de un campo rico y duradero ¿por qué continuar con la dependencia? Del lado de los detractores: por miedo, por atrofia, por ignorancia y otras variantes de la incapacidad. Por el lado de los acólitos: por voluntad de perpetuación del poder, del “terreno seguro” del que habla Valenzuela, que no es otra cosa que un aburguesamiento. A estos fines responden el tan ponderado "Capital simbólico" que parece circular entre ciertos sectores de la historieta argentina.

Por último, Valenzuela acertadamente dice:

“Alguna mirada desde la derecha puede quejarse por la postura ideológica de obra y autor, pero en general, nadie discute su posición en el campo”.

La postura de la derecha es de lo más natural: “Dacapitemos al líder, ya que sólo así es posible reemplazarlo por otro” (bajo esta diabólica metodología actúan las dictaduras, también las de izquierda. El caso de la desaparición de Oesterheld es un ejemplo. Al crear mártires, seguir vivo es una vergüenza en el fondo del corazón, vergüenza que ata, reduce y deja fuera de acción a los hombres).

Por esto: sostengo que la incomprensión total de la postura del Oesterheld es de parte sus adictos, y no de sus detractores. Si algo nos dice “El Eternauta”, es sobre la imperiosa necesidad de prescindir de todo líder, de actuar de forma individual y asociada, por intereses comunes y concretos, nunca abstractos. Juan Salvo no es un líder. Es un héroe, y lo es desde el punto en que se detiene a contar su historia, tarea que únicamente se puede llevar a cabo en solitario (como ocurre en el cómic en cuestión). El verdadero honor al trabajo de HGO, el de actuar bajo sus pautas, sería en todo caso forjar y narrar nuestra propia historia - en forma de historieta, por qué no - ya no bajo el peso de ningún trono, ni mucho menos aspirar a él.

Redondeando, en materia de producción de historietas: propongo un intento de abolición de jerarquías y la posterior construcción de un sistema de pensamiento horizontal en su sentido más literal: no necesitamos un trono en la cima de la montaña; necesitamos una meta personal e íntima, un horizonte hacia el cual camnar. Y será posible conseguirlo cuando entendamos que “Oesterheld es Oesterheld porque es también un poco Yo”.

momentum: "Captioned photo", de Loris Z (2007)

2010-10-20T01:28:00.000-03:00

(El cómic al que esta viñeta pertence está incluido en "Persona", libro que a partir de mañana estará a la venta a través de la editorial La Pinta. Pronto más novedades por los canales habituales).

momentum: "La malle Sanderson", de Jean-Claude Götting (2004)

2010-10-11T02:36:00.000-03:00

El número 28

2010-10-08T21:24:00.004-03:00

(sigo leyendo a) Tarkovsky, hablando de su película "Stalker", cuenta una escena donde un personaje entra a una habitación mágica que cumple deseos, aquello que más se desea en el fondo de nuestros corazones. El personaje pide que resucite su hermano recientemente muerto. Cuando vuelve a su casa, es rico, millonario: la habitación cumplió su verdadero deseo.

Lo que uno realmente desea no siempre corresponde con lo que (se) dice querer.

Hoy sentí ocurrirme exactamente lo mismo que al personaje de "Stalker":

A pesar de afirmar(me) que mi trabajo es más una manera de expresarme que de ganarme la vida, siento que algunas de mis historietas recientes las hice con la intención a priori de que leguen a ser publicadas, lo que equivale a decir: fueron hechas sólo por dinero. Si esta fuese una constante en mí, de acuerdo: soy culpable de mentir (me), de decir (me) una cosa y hacer otra. Pero lo que más bronca me da es haberlo hecho de manera inconciente, de creer - y hacer creer, lo cual me molesta mucho - que estaba haciendo una cosa cuando en realidad hacía otra.

Ahora siento la responsabilidad de deshacer el camino. No puedo renegar de lo que ya hice, sobre todo cuando dichos trabajos fueron publicados y los respectivos cheques fueron cobrados. Para colmo, no me parecen malas historietas, sólo que lo que me motivó a hacerlas no es lo que en el fondo siento que debería haber sido. Si algo fue dicho, fue de casualidad, porque aunque uno intente no decir nada siempre termina diciendo algo. Pero, en estos casos que menciono, siento que en lugar de presentar una idea tal cual es, la disfracé, le puse smoking para que la dejen entrar a la fiesta. Juro no hacerlo nunca más, se siente muy feo ser ese personaje de "Stalker".

No es casualidad que llegue a esta reflexión un día después de mi cumpleaños, el número 28. No es mal momento para pasar la lija sobre ciertas cuestiones. Sincerarme conmigo mismo y demostrarme que soy capaz de cumplir mi -ahora sí- verdadero deseo. Me permitiré errar en todo lo relativo a la obra, todo experimento tiene derecho a fallar. Pero no me permitiré más fallar en el espíritu.

Trailer de "5 para el escolaso"

2010-10-08T18:15:00.001-03:00

Reseña de “Rachas”, por Julieta Messer

2010-10-06T21:29:00.000-03:00

Hasta ahora, lejos, la mejor -por más entretenida, directa y desvinculada de todo vicio propio del "lector de historietas"- reseña de mi libro "Rachas" hasta la fecha. Agradezco enormemente, y le pregunto: ¿se puede considerar "reciente" a un libro con más de un año de antigüedad? Los que leen novelas (sin "gráficas", por favor) acaso así lo piensen. Y yo estoy muy de acuerdo, siguiendo con la pauta de que al vino se lo ha de abrir media hora antes de beber.

En fin, leer la reseseña aquí: (link)

No-leyendo a Tarkovsky

2010-10-04T17:36:00.001-03:00

Extraido de "Esculpir en el tiempo", de Andrei Tarkovsky, con "unas pocas" palabras cambiadas.

momentum: "Ernie Pike", de Hugo Pratt (circa 1957)

2010-10-03T22:07:00.000-03:00

Flickr

2010-09-29T18:04:00.000-03:00

Más bocetos y miscelánea en mi Flickr (link)

"Abrecartas" y "La muerte de un anticuario" en Revista Carboncito (Perú)

2010-09-28T00:23:00.001-03:00

Agradezco la invitación a los hermanos Renso y Amadeo Gonzales, fue un honor publicar en su antología, de primerísimo nivel.

momentum: "Ciao, Valentina", de Guido Crepax (1966)

2010-09-26T23:39:00.000-03:00

Aguafuertes Comiqueras: Tirao en un rincón

2010-09-26T17:32:00.000-03:00

El lector de historietas promedio se niega a olvidar -y en esto los medios juegan gran parte, en su eterna reivindicación de "El Eternauta" versión '57- a aquellos que dejaron su cuota ineludible en la historia de la historieta argentina, pero que hoy son, como dice el párrafo recién citado, "un repertorio fuera de época".

Leer al artículo completo (link)

momentum: "Frankenstein", de Denis Deprez (2003)

2010-09-12T19:00:00.000-03:00

"Los Perros de Pavlov", de Javier Bordón.

2010-09-09T14:46:00.008-03:00

A finales del 2003 encontrábame yo de paseo en Buenos Aires, había venido a pasar las fiestas con mi familia, y a contarle a mis amigos mis primeras experiencias en Europa. Las familias, ya se sabe, tienden al conservadurismo extremo, "nada nuevo que contar", más allá de algún bautismo y demás cosas de escasa relevancia. Pero los amigos en cambio, y más cuando son artistas, tienen esa costumbre de no quedarse muy quietos que digamos, de un año al otro el caparazón ya se les quedó chico.

Javier Bordón se había mudado no hacía mucho con el excelente dibujante Mauro Reifschneider (link) a un departamento del microcentro. Créanme que el bullicio de allí fuera quedaba completamente opacado ante la actividad sin tregua que se daba en ese pequeño departamento de dos ambientes. En los rincones se acumulaban huesos de animales que Mauro traía del campo para copiar y estudiar anatomía; más allá, en una jaula de vidrio, dos roedores se despiojaban con una ternura más que humana. Apenas si quedaba un cachito de pared sin cubrir por dibujos, estudios, bocetos, fotos, recortes, escorzos, diseños, apuntes. En esas paredes ví por primera vez las páginas de lo que después se dio en llamar "Los Perros de Pavlov".

Qué distante parecía el año 2010, año en que la editorial La Pinta (link) se propuso rescatar de un cajón aquellas páginas olvidadas. El cajón es puramente virtual, claro, ya que los originales, si mal no recuerdo, se perdieron en una de las tantas mudanzas que mencionaba al principio.

"Los Perros de Pavlov" es un perfecto ejemplo de un (también perfecto) emsamble de universos en apariencia distantes. Así, Picasso toma el té lo más tranquilo en companía de Lewis Carroll, Cortázar escucha Radiohead, "El Gabinete del Doctor Caligari" se rueda en Palermo viejo.

Desde el comienzo, "Los Perros de Pavlov" decepciona. Decepciona a quienes verán en su cita inicial a Yves Bonnefoy el sacrilegio máximo, el muy en boga y arbitrario robo de "capital simbólico". ¡Y encima se tiene el descaro de admitirlo! El autor, en su lista de agradecimientos, nos dice "si este relato no es un afano, se le parece mucho". También decepciona porque en este medio que es el cómic, donde por motivos "artísticos" o "comerciales", el culto a la originalidad parece ser la vara por la que se miden las cosas ("no importa que sea una porquería, lo importante es que las influencias sean difíciles de rastrear"), Bordón es un hermano de idea, aquella que expresé en otro post (link), de que la obra no será jamás un homenaje o un guiño cómplice, sino un clara demostración de que lo que supimos tomar de nuestros maestros nos pertenece en toda regla. "Robar" de la manera en que roba Bordón (yo soy un mero aprendiz), es de lo más ético que puedo encontrarle a un autor, porque forzar candados es, aunque a algunos les pese, un trabajo. E incluso me atrevería a decir que es EL trabajo del artista. Con esta idea, que claro está implica no poca responsabilidad, Bordón elabora probablemente una de las mejores 5 historietas argentinas que haya leído jamás.

Paso las páginas y vuelve a decepcionar, porque no sólo me fue posible sino también plausible que entre los varios ejemplos de esta "convivencia entre universos" conque ilustro este artículo, no haya siquiera atinado a incluir influencias provenientes del campo del cómic. Afortunadamente el mundo de ciertos autores no se termina ahí aunque -y en esto el que decepciona soy yo al ponerlo en evidencia- decir a través de la obra "yo soy como él, vengo de donde viene él, voy hacia donde va él", sea un acto de pedantería.

"Los Perros de Pavlov" también decepcionará a aquellos que creen que donde no priman las trancisiones de acción-a-acción no se puede hablar de cómic. Bajo esta premisa, lo de Raymond no es cómic, lo de Foster tampoco. Y más aquí y ahora, lo de Calvi menos que menos. El texto en off no ilustra las imágenes o viceversa, en una relación hermética. Ese vicio no se lo permite Bordón, ya que en el divorcio de ambos lenguajes consiste su unión, ayudando así no a un desarrollo "argumental" (de principio-nudo-desenlace) sino a todo o contrario, lo que podemos llamar "un misterio". De la imagen (recuerdos distorsionados, detalles que están puestos para distraer al compañero de juego, grafías infantiloides de extrema belleza) nos llega un mensaje; de las palabras (un pibe de barrio que habla casi sin respirar, más preocupado en no llegar muy embarrado a la casa que en contarnos su historia) otro; de ambas surge un tercer evento, y en ese tercer evento está la clave. Es decir, Lenguaje A (palabra) x Lenguaje B (imagen)= Mensaje C. Eso es lo que yo llamo una buena historieta, y son los amantes de la buena historieta los que no se van a decepcionar.

A la pregunta que aquel colega amigo se hacía en su blog (link) cuando decía:

"Se me ocurre la siguiente idea: si una línea de edición es el desarrollo y la defensa críticos de una idea sobre las historietas, se la puede entender como un discurso. ¿Cómo será, qué rasgos tendrá, el discurso crítico de los editores de estas pampas?"

la editorial La Pinta, lejos de la imagen institucional de algunas propuestas, parece responder "a cada libro su forma".

Por esto, tampoco se van a decepcionar los aficionados al "libro-objeto". Desde la edición, "Los Perros de Pavlov" nos muerde por el lado del recuerdo, viene en la forma de aquellos primeros cuentos de infancia, esas pocas páginas que (sabemos) contienen un mundo que, para quiénes aman leer, no se termina jamás, sino que se desenvuelve en troqueles infinitos. Más claro me lo puso el editor, en una charla reciente: "esta es la sola manera en que puede editarse una historia de 18 páginas con la densidad de una de 600". Y es que en otras manos, probablemente "Los Perros de Pavlov" hubiera terminado formando parte de un rejunte de historias, lo que sea para satisfacer al tipo de lector que pide la mayor cantidad de tinta sobre papel por el menor precio posible.

Lean el libro, que habla por sí solo. Esto no es una reseña, son algunos pensamientos sueltos y sobre todo una expresión de profunda alegría de tener, por fin, este cómic en mi biblioteca. Como le dije al autor en un mensaje privado: "años de espera y pacífica insistencia valieron la pena". Dado a los resquemores que el Bordón de hoy -lejísimos en muchos aspectos del Bordón que esculpíó esta historieta- siempre tuvo en mostrar estas páginas, casi hasta podría jactarme de ser uno de los tantos amigos (entre ellos Martín M. Muntaner, editor de La Pinta) que amordazaron y propinaron innumerables golpizas al autor (amistosamente, claro está) para que se haga pública esta especie de diario íntimo de épocas remotas. No sé que mirada otorga hoy el autor a esta obra, si es risueña o qué. Pero la obra, una obra acabada, concisa como un garrotazo en la nuca, finalmente alcanzó el papel, y a eso digo "Salud".

Mientras lo consiguen, pueden "hojear" el libro haciendo click AQUÍ

5 para el escolaso - Episodio Final

2010-09-08T23:57:00.002-03:00

Para leer el último episodio hacer click AQUÍ

Agradezco a las siguientes personas por haber hecho posible la realización de "5 para el escolaso":

Akira Kurosawa
Alfred Hitchcock
Allen Baron
Bela Tarr
Billy Wilder
Boris Ingster
Carol Reed
Costa-Gavras
David Lynch
Delmer Daves
Don Siegel
Edgar G. Ulmer
Edward Dmytryk
Elia Kazan
Francois Truffaut
Fritz Lang
George Cukor
Henri-Georges Clouzot
Howard Hawks
Ida Lupino
Jacques Becker
Jacques Tourneur
Jean Renoir
Jean-Luc Godard
Jean-Pierre Melville
John Huston
Joseph H. Lewis
Joseph Losey
Jules Dassin
Julien Duvivier
King Vidor
Louis Malle
Luchino Visconti
Marcel Carne
Nicholas Ray
Orson Welles
Otto Preminger
Raoul Walsh
Ridley Scott
Robert Montgomery
Robert Siodmak
Robert Wise
Rudolph Mate
Samuel Fuller
Stanley Kubrick
William Dieterle

James M. Cain
John Dickson Carr
James Hadley Chase
Raymond Chandler
Peter Dickinson
James Ellroy
Erle Stanley Gardner
Dashiell Hammett
Chester Himes
Ellery Queen
Georges Simenon
Mickey Spillane
Rex Stout
Jim Thompson
Hillary Waugh

Angelo Badalamenti
Ennio Morricone
Martial Solal
Ornette Coleman
Charlie Parker
Duke Ellington
Miles Davis
Dizzy Gillespie
Chet Baker
The Shirelles
The 5 Satins
Fats Navarro
The Lounge Lizards

James Dean
Carole Lombard
Joan Benett
Humphrey Bogart
Jane Greer
Tina Louise
Sofía Berge

Y muy en especial a los lectores que siguieron la serie semana a semana.

Tres modelos de producción en la historieta argentina

2010-09-06T14:28:00.001-03:00

En historieta, como en cualquier otro producto de consumo, productor y consumidor forman parte de un mismo engranaje, acaso lo único que define al medio más allá de sus fronteras formales: el modelo de producción.

A lo largo del tiempo, en la historieta argentina existieron tres modelos de producción bien diferenciados:

1-El modelo Industrial, (1950's a 1980's)
2-El modelo de autogestión, (1990's)

Y un 3er modelo de producción, aún en gestación, cuyo esbozo me propongo trazar a continuación:

3-El modelo Autoral, (año 2000 hasta la actualidad)

Pero antes, describamos brevemente en qué consistieron los dos primeros:

1-El modelo Industrial.

Desde sus orígenes, pasando por la "época de oro" de la década del '40 y '50, hasta finales de la década del '80, la forma de producción imperante en la historieta Argentina es aquella que denominaría "Industrial". La ecuación básica de este modelo de producción sería: "puesto que seré remunerado, hago historietas", o simplemente hacer historietas es una forma de ser remunerado.

Este período de la historieta argentina ha sido, lógicamente, el más estudiado, pero para resumir, las historietas producidas bajo este modelo son en su mayoría de género, apuntadas a un público que con el correr de los años se volvió cada vez más específico. El dibujo es en su mayoría académico, es decir de anatomía y perspectivas naturalistas (sin que esto implique monotonía en el trato de este naturalismo, como es el caso de Alberto Breccia o Hugo Pratt). El dibujo icónico se limitaba casi exclusivamente a la vertiente del humor gráfico.

A este modelo lo denomino Industrial ya que, con anterioridad a la llegada de la televisión como medio masivo y asequible, las editoriales eran prácticamente "fábricas de entretenimiento". La estandarización de atributos, de guión y dibujo, partía antes que nada de una necesidad de cualificar trabajadores. Sin un estándar de atributos hubiera sido imposible diferenciar a los trabajadores aptos para desempeñarse como historietistas de los que no. Así, los requerimientos técnicos preceden a la hechura del producto y, siempre en términos generales, es a la satisfacción de estos requerimientos a lo que el aspirante a trabajador de la historieta debía apuntar.

La estandarización de estos atributos recién comenzaría a romperse con la llegada de la revista Fierro (primera época) y el posterior cierre de la revista Skorpio.

2-La década del '90. El modelo de la Autogestión.

Despojados de una industria editorial fuerte donde publicar sus trabajos, los historietistas surgidos en los años '90 ya no serán trabajadores de la historieta en el sentido industrial de la palabra, pero, y esto es un condicionante generacional, hubiera querido serlo. Con los preceptos del modelo Industrial como único referente, la mayoría no quería o no podía dejar de anhelar la historieta como una fuente de ingresos. La solución fue, a falta de un patrón, gestionar la propia empresa: de allí surje un modelo de producción propio, y muy fructífero en términos cuantitativos (lo que se llamó el "Boom de los fanzines"): el modelo de la autopublicación, o Autogestión. Historietista y editor son una misma cosa, las revistas se venden en plazas públicas, de mano en mano, o en eventos especialmente destinados a la venta de fanzines. Esto indica que, aunque de forma mucho menos ambiciosa con respecto al modelo Industrial, el historietista aún luchaba por hacer de la historieta una fuente de ingresos. Si la ecuación del modelo Industrial es "puesto que seré remunerado, hago historietas", la del modelo de la Autogestión podría ser "Puesto que hago historietas, debería ser remunerado".

Anteriormente dije "Con los preceptos del modelo Industrial como único precedente", y esto es muy importante porque definiría a la década del '90 como un período de transición. No pocas historietas de este período se encuentran muchas veces con un pie en el modelo precedente, el Industrial, y otro en el actual, al que llamo "Autoral". Los historietistas de los años '90 podrían dividirse en dos categorías, es decir, aquellos que intentarán mantener o resucitar los viejos preceptos, y aquellos que comenzarán a alejarse de forma paulatina:

A- Aquellos que si bien ya se encontraban fuera del extinto modelo Industrial, no dejan de considerarlo su "escuela". De esta manera puede explicarse la abundancia de fanzines que buscaban imitar, sobre todo estética y temáticamente, a las historietas del modelo Industrial (ya sea al modelo Industrial nacional, sobre todo de género Fantasía Heroica; o al extranjero, sobre todo superhéroes y manga). Me atrevo a sugerir que para este tipo de historietistas la autopublicación fue tan sólo un terreno donde ensayar las primeras armas, o simplemente un refugio donde entretener el pulso a la espera de un mesiánico regreso a la "Edad de oro" de la historieta argentina.

B-La segunda categoría es el germen del modelo actual. En lo que la diferencia de la categoría A, es que pronto los historietistas comprendieron que: muerto el modelo Industrial, muerta la necesidad de adaptarse a los requerimientos estéticos y conceptuales del mercado. Si bien en principio se renegaba de esta estandarización de atributos -quizá por considerar que dicha estandarización fue lo que condujo a la historieta argentina a una monotonía lapidante-, muchos de los historietistas de los años '90 contribuyeron a generar un nuevo sistema de atributos que, si bien de de forma anárquica, por lo general se vio obviamente influenciado por los exponentes del modelo de Autogestión estadounidense, el comix underground: sexo, drogas, ultraviolencia verbal, en fin, todo rasgo que demostrara que las normas del modelo Industrial ya no regían.

Uno de los principales vínculos entre ambas categorías, el que hoy nos ocupa, es el hecho de aún considerar a la historieta como una potencial y merecida fuente de ingresos. Pero muy pronto ambos tipos de historietistas descubrirán que el modelo de la Autogestión no resulta tan redituable como se esperaba, o, si esto se sabía de entrada, muchos simplemente se cansaron de ello. Ambas categorías reaccionaron a su manera frente a esta "desilusión" económica:

En la actualidad, entre los historietistas que responderían a la categoría A, firmes en su herencia del modelo Industrial, me atrevo a citar, de los que publican en la Argentina, a los colaboradores más jóvenes de la revista Magma, o algunos de La Productora. Estos historietistas consiguieron lo que se proponían, trabajar para el modelo Industrial: pero en el extranjero, sin que apenas se conozca su producción en el país.

Por el otro, muchos de los historietistas pertenecientes a la categoría B son, junto a un puñado de editores independientes, los forjadores del modelo actual, aún en formación.

3-El modelo Autoral.

Federico Reggiani resume muy bien los orígenes del modelo actual:

"La historieta argentina, es sabido, sufrió en los ‘90 un golpe que es difícil de imaginar para otras artes o producciones culturales: la desaparición casi súbita y casi completa de su sistema principal de producción y difusión, la revista de antología de distribución masiva. De entre las ruinas de ese terremoto surgieron algunas novedades –el libro como objeto de difusión y de legitimación, por ejemplo– y un modo nuevo de entender la relación de un artista con el medio que utiliza. Un nuevo modo de ser “historietista”, que no invalida otros, que incluso coexiste con otros en la misma persona: el “historietista independiente”.

En estos días, este "nuevo modo de entender la relación de un artista con el medio que utiliza" comienza a ser una forma de hacer en toda regla, un "modelo de producción" hecho y derecho.

Si la ecuación aplicada al modelo Industrial es "puesto que seré remunerado, hago historietas", y la del modelo de Autogestión es "puesto que hago historietas, debería ser remunerado", la del modelo Autoral de nuestros días sería algo así como "puesto que hago historietas, puedo llegar a ser remunerado". (NOTA: resulta obvio señalar que en los tres casos la remuneración siempre depende de la cantidad de consumidores. En este artículo me propongo diferenciar, en tanto existen, ciertas cuestiones previas a la elaboración de una historieta, es decir la relación del historietista con la obra en sí antes de su propia ejecución).

Los frutos del modelo de producción actual poco a poco van consolidándose como la cara visible de la historieta argentina contemporánea, los principales medios de comunicación así lo atestiguan. Se repite la tendencia norteamericana: así como ciertos historietistas surgidos de las diferentes etapas del comix underground (Robert Crumb, Art Spiegelman, y Chris Ware, por citar tres ejemplos de distintas épocas) resultaron ser los propulsores del cómic en formato libro en dicho país, abriendo las puertas a nuevos talentos; las librerías argentinas de hoy, a paso lento pero seguro, lucen en sus bateas, cada vez más, tanto obras de historietistas salidos del modelo de Autogestión, como de nuevos valores surgidos de la nada, hijos directos del modelo Autoral; todos ellos puestos en circulación gracias al esfuerzo de editores comprometidos con hacer de la historieta una rama de participación cultural.

Estos nuevos autores, sin el más mínimo contacto con el modelo Industrial, donde el historietista debía escalar peldaños hasta alcanzar un nivel de publicación, y a su vez sin una autopublicación donde ensayar en qué consiste ser publicado, se enfrenta al mercado editorial como David a Goliat. Bajo el modelo Industrial sólo se publicaba cumplidos unos ciertos atributos. El modelo de autogestión establecía sus propios atributos y a su vez los estandarizaba, acaso por promedio. El autor de hoy, en cambio, se lanza al mercado sin más mínima referencia de sus atributos más allá de lo que le dicta su propia conciencia de autor.

Hoy, puede afirmarse, es el editor quien se adapta a los requerimentos de la obra, y no viceversa. El historietista de hoy ya no necesita enriquecer un mercado o crear un sucedáneo destinado a un público entendido. El historietista de hoy cuenta solo consigo mismo, y posee la total libertad para hacer la obra que él, y nadie más, considera que hace falta agregar a la enorme tradición de la historieta en nuestro país. Y esta libertad, como cualquier otra, conlleva no pocas responsabilidades.

momentum: "richard long", de alberto breccia (1966)

2010-09-04T15:00:00.002-03:00

Hoy es el Día de la Historieta en la República Argentina. La elección de la fecha responde a la primera aparición de "El Eternauta", de H.G Oesterheld y Francisco Solano López. Como es costumbre en este país desde hace algunos años, se pregona la importancia de algunos dada su innegable carga ideológica, y se hacen a un lado a los grandes de verdad, a los que trabajaron en silencio, sin llamar nunca la atención.

Gracias al autor de este "Momentum", el día de la historieta es para mí todos los días del año, ya que contar con su precedente, saber que existió una persona que hizo del trabajo -la máxima afirmación de nuestra individualidad- la única ideología posible, aprendí a celebrar cada día en esta profesión que elegí, siendo la labor misma la manera más honesta de celebrarla.

Dedico este post al más grande historietista argentino de todos los tiempos: Alberto Breccia.

momentum: "Loco Sexton", de Arturo del Castillo (1977)

2010-08-28T15:00:00.000-03:00

Flickr

2010-08-21T19:46:00.003-03:00

No se olviden que en mi Flickr (link) voy posteando bocetos periódicamente.

Un saludo a todos los que me conocen.

2010-08-21T17:56:00.005-03:00

Hace un año, cuando se publicó el comunicado de prensa del lanzamiento de Fáctum Grafonovelas Semanales (link), el sitio web de Comiqueando afirmó que el término grafonovela es "un neologismo inventado por los autores que alude a los viejos seriales y radionovelas". Alude a ello, sí, pero no es un invento nuestro. Es un dato que en su momento no quise corregir porque carecía de la fuente para probarlo. Pero hoy, ordenando unos viejos papeles, di con la fuente, la revista "Patoruzito" Nro 635, del 27 de Febrero de 1958:

A aquellos grandulones que se burlan a espaldas de uno, sólo me resta decirles algo que desde 1987 que no decía, pero que las circunstancias (y el coheficiente intelectual de los destinatarios del mensaje), me obligan a utilizar: chiva calenchu.

momentum: "Blood", de Kent Williams (1988)

2010-08-18T23:35:00.000-03:00

momentum: "la casa del muerto", de keko (2006)

2010-08-06T15:20:00.000-03:00

Aguafuertes Comiqueras:"Aquel que se sienta y espera"

2010-08-04T17:16:00.004-03:00

"Aquel que se sienta y espera" compra casi exclusivamente en comiquerías. Cuando se trata de material nacional, es el primero en quejarse de los precios, como si los costos de impresión y distribución se hubiesen congelado en el 1 a 1 menemista. Pero el material extranjero, en cambio, lo compra aún con cierta resignación, o la variante más común: el odio al librero, "explotador malnacido". Este odio no tiene mucho goyete, si tenemos en cuenta que nadie nos obliga a comprarle. Somos nosotros los que decidimos qué leer, cuándo, y a cuánto; no el dueño de una comiquería. Podemos no comprarle.

Leer el artículo completo AQUI

Responso

2010-07-26T22:31:00.003-03:00

Con mi compañera y en ocasiones escritora de mis comics, Madamoiselle Sofía Berge (link), nos hemos embarcado en la elaboración de un corcho de pared virtual, o "campo semántico", como le llaman los más instruídos:

Click en la imagen para ver de qué se trata.

momentum: "from hell", de eddie campbell (1993-97)

2010-07-26T22:25:00.000-03:00

momentum: "Ernie Pike", de José Muñoz (1960)

2010-07-17T20:40:00.003-03:00

(nota: en el año en que fue hecha esta viñeta, el dibujante tenía apenas 18 años)

momentum: "Kyehe y el Wendigo" de enrique alcatena (2001)

2010-07-13T13:00:00.000-03:00

"Blas y el Batimento" en Revista Fierro Nro 45 (Julio 2010)

2010-07-10T15:15:00.003-03:00

"Blas y el batimento": un fuera de la ley queda literalmente entre dos fuegos: el gobierno y sus opositores. Su hijo decide contratar a un sicario para vengar su muerte

Para aquellos que por forasteros o lo que sea no estén familiarizados con la jerga criminal del Buenos Aires de tiempos remotos, aquí encontrarán un lexicon bastante completo: (link)

momentum: "big man", de david mazzucchelli (1993)

2010-07-07T12:46:00.003-03:00

Aguafuertes Comiqueras: "La historieta como enfermedad"

2010-07-02T22:23:00.003-03:00

Centrándome en el periodismo sobre historieta, hoy me ocupa una cosa: ¿qué información debería brindar un medio masivo? ¿De qué forma, de qué pluma? Resumiendo: ¿qué debemos exigirle, con respecto a la difusión de la historieta, a los medios masivos, teniendo en cuenta que la mayoría de sus lectores son gente no iniciada en esto de la historieta?

Leer el artículo completo: LINK